Discussion entre les artistes et Bernard Blistène (Centre Pompidou, Paris) le mercredi 25 mai à 18h00


Commissaire de l’exposition : Florence Derieux

Le peintre et sculpteur Eugène van Lamsweerde, d’origine néerlandaise, vit et travaille depuis de très nombreuses années à Romilly-sur-Seine, en Champagne-Ardenne. Depuis plus de cinq ans, il développe un travail en commun avec le célèbre duo Inez van Lamsweerde et Vinoodh Matadin, qui comptent parmi les photographes de mode les plus réputés au monde.

Au travers de leurs nombreuses collaborations, notamment avec Björk et Madonna, les designers M/M et des créateurs de mode ou des marques de luxe tels que Véronique Leroy, Vivienne Westwood, Yohji Yamamoto, Balenciaga, Dior, Yves Saint Laurent, Chanel, Vuitton, etc, le travail d’Inez van Lamsweerde et Vinoodh Matadin a depuis longtemps su s’affranchir des frontières pour être simultanément diffusé dans la presse, la publicité et les lieux d’art contemporain. Souvent étranges voire surréelles, leurs images se jouent des codes de la beauté et de l’identité et expriment une vision très personnelle de la notion de dualité (beau/grotesque, attraction/répulsion), de l’ambivalence (androgynéité) et de l’érotisme.

Les œuvres réalisées par Eugène van Lamsweerde, Inez van Lamsweerde et Vinoodh Matadin sont appelées Sculptographs et combinent deux techniques : la photographie et la sculpture. Eugène van Lamsweerde sélectionne minutieusement certaines photographies créées par le couple, qu’il découpe, le plus souvent, afin de ne conserver qu’un détail de l’image initiale, et qu’il manipule ensuite comme un matériau quelconque en le pliant, le froissant, le tordant, etc. Il travaille ensuite de fines tiges de métal qu’il sculpte à partir et autour de l’image choisie, comme pour lui créer un environnement. Il attribue ainsi une troisième dimension à ces images, celle de l’espace. L’univers en expansion qui apparait alors est tout à la fois beau et fragile, précieux et gracieux, protecteur et inquiétant. En un mot : fascinant.

Commissaire de l'exposition : Nicolas Trembley

Environnement sonore : Seth Price

L’exposition Sgrafo vs Fat Lava, céramiques et porcelaines Made in West Germany, 1960-1980 réunit une centaine de vases produits en Allemagne dans les années 1960 à 1980. Le plus souvent appelés « Fat Lava » ou « West German Ceramic/Pottery », ces objets couvrent plusieurs styles et procédés de fabrication suggérant, sur la période donnée, une association ironique et ludique des créateurs avec le domaine de l’édition. Au travers d’objets utilitaires et décoratifs, présentés loin de toute hiérarchie, la collection privée de Nicolas Trembley nous fait découvrir une multitude de déclinaisons esthétiques qui se rattachent à une période à la fois prolifique et stylistiquement très libre, où le goût commun s’autorisait à être kitsch et délirant. Une époque d’avant la suprématie du design, qui formate dans une large mesure le monde dans lequel nous vivons et les objets qui nous entourent.

Cette exposition met en évidence certaines des problématiques qui sont, aujourd’hui encore, régulièrement discutées et qui touchent à cette réévaluation systématique entre l’art et sa fonction, entre l’art et le design, etc. Elle interroge plusieurs notions : celle de l’évolution des formes et du goût, de l’unicité et de la multiplicité des objets, de leur production artisanale mais quasi industrielle, de la collection, ou encore de ce passage de l’objet courant à l’objet fétichisé. Enfin, elle contribue à écrire l’histoire particulière et non encore historicisée de ces objets qui mêlent le bon et le mauvais goût, éclaire cet éternel aller-retour entre le goût dit « populaire » et sa récupération « vintage », pointe les effets de mode et repose aussi la question récurrente du décoratif et de l’artisanal et de leur déplacement plus ou moins récent dans le champ de l’art contemporain.

Sgrafo vs Fat Lava donne à voir avec légèreté, pour le plaisir des yeux et une sensation de déjà-vu, une nomenclature de formes et de couleurs plus gaie, cocasse et désinhibée que ne pourrait le proposer l’histoire de l’art telle qu’elle est abordée d’ordinaire. L’esthétique de ces vases effleure le typique et même le folklorique ; en parallèle, dans les années 1960–1980, les années les plus productives, l’esprit « seventies », de par le retour à la nature qu’il opère, a plutôt privilégié les effets de textures et les imitations de coquillages, d’écorces et de fossiles. Même si d’autres formes plus minimales, inspirées du Bauhaus, étaient également déclinées et structuraient davantage l’architecture des objets (vases, pots à eau…), les motifs décoratifs restaient souvent plus proches du Pop Art et de l’Op Art que du Minimalisme. On trouve également des pièces d’inspiration plus « futuriste », où l’utilisation d’émaux d’un blanc immaculé rappelle les créations de Pierre Cardin, les décors de Jacques Tati ou encore, pour les plus « Pop », les animations télévisuelles de Jean-Christophe Averty.

Cette exposition est organisée en collaboration avec le Centre d'édition contemporaine, Genève (5 novembre 2010 - 5 février 2011) et la galerie Kréo, Paris (20 mai - 23 juillet 2011).

L’exposition est accompagnée d’une publication intitulée Sgrafo vs Fat Lava coéditée par le Centre d’édition contemporaine de Genève et le FRAC Champagne-Ardenne et publiée par JRP Ringier. Cet ouvrage a reçu le soutien de la Galerie Andrea Caratsch, Zurich.

Avec le soutien de Champagne Deutz